Opera veneziana
L'inaugurazione all'inizio del 1637 del primo teatro dell'opera pubblico, il Teatro di San Cassiano a Venezia, un'impresa commerciale per una delle ricche famiglie mercantili della città, fu un altro fattore decisivo nello sviluppo dell'opera. Questo evento alla fine ha rimosso l'opera dall'esclusivo patrocinio di regalità e nobiltà e l'ha resa alla portata di tutti, tranne i settori più poveri della popolazione urbana italiana. Alla fine del secolo, Venezia aveva nove di questi teatri commerciali, alcuni dei quali dedicati all'opera. Sebbene i teatri non funzionassero tutti contemporaneamente, hanno comunque attratto, e in effetti gareggiato, un pubblico nazionale e internazionale. Così iniziò una tendenza durante la metà del 17 ° secolo a favore di trame con argomenti più sensazionali che includevano elementi di intrigo, travestimento e inganno e che richiedevano macchinari elaborati. La commercializzazione dell'opera portò anche ad un aumento dell'influenza dei cantanti; l'ascesa alla ribalta dei castrati (uomini che erano stati castrati prima della pubertà per preservare l'alta gamma e la purezza delle loro voci fanciullesche, ora rafforzate dalle loro casse completamente mature); e una concomitante enfasi sulle arie rispetto al recitativo.
Teatro occidentale: opera
Uno dei prodotti più duraturi del teatro rinascimentale fu l'opera. Nacque da esperimenti dei Camerata, una società fiorentina
Un allievo di Monteverdi, Francesco Cavalli, divenne il compositore d'opera più popolare della sua epoca, fornendo ai teatri di Venezia più di due dozzine di opere tra il 1639 e il 1669. Cavalli infuse i libretti che mise in musica con forza e immediatezza drammatiche. La più famosa delle sue opere fu Giasone (1649; "Jason"), il cui libretto di Giacinto Andrea Cicognini includeva episodi farseschi. Il principale rivale e successore veneziano di Cavalli fu Pietro Antonio Cesti, la cui eredità comprende circa una dozzina di opere, in particolare Orontea (1656; libretto di Cicognini). I compositori veneziani nella seconda metà del secolo includevano Antonio Sartorio e Giovanni Legrenzi e all'inizio del XVIII secolo Antonio Vivaldi, che compose 49 opere per Venezia e altre città; molte delle opere di Vivaldi sono ora perse. La costosa pubblicazione degli spartiti dell'opera cessò una volta che il genere si affermò e il patrocinio aristocratico fu interrotto. La maggior parte delle opere è durata solo una stagione, dopo di che sono state sostituite da nuove opere commissionate. Solo dalla fine del XX secolo alcune di queste opere, in particolare quelle di Cavalli, sono state recuperate e rianimate.
Le opere veneziane erano affari stravaganti in cui le trame improbabili - una miscela di elementi comici e seri - si svolgevano in un semplice recitativo e le arie assunsero un nuovo linguaggio lirico. Le arie erano di solito espresse in forma strofica (stanze cantate con la stessa musica) e fluidi contatori tripli (battiti in gruppi di tre), e alcuni avevano schemi di bassi ripetitivi (ostinatos o bassi) che prolungavano i punti espressivi della trama. I compositori veneziani svilupparono stili e forme distintivi per le numerose arie e duetti da solista e prestarono poca attenzione al coro, che aveva avuto un ruolo più importante nelle produzioni della corte fiorentina e continuava ad essere importante per i loro contemporanei romani. La conseguente separazione tra recitativo e aria e la concomitante attenzione per i cantanti solisti sono diventati tratti caratteristici dell'opera per i successivi 200 anni. Inoltre, il numero di arie in un'opera aumentò gradualmente - da circa 24 a metà del XVII secolo a oltre 60 entro il 1670. Pertanto, i fiorentini (e monteverdiani) considerano la musica di un'opera inseparabile dalla sua poesia e dal suo dramma fu presto rovesciato dai gusti e dai desideri del pubblico pagante veneziano, che assaporò gli elementi visivi di scenografie e costumi, provò più piacere nell'elaborazione musicale che nella struttura drammatica avvincente e fornì un'atmosfera in cui fiorirono rivalità tra le compagnie d'opera e tra le loro cantanti stellari molto pagati.
Sviluppo di stili operistici in altre città italiane
Diverse altre città italiane hanno presto sviluppato stili operistici riconoscibili nel 17 ° secolo. A Roma, dove ricchi prelati divennero ardenti sponsor dell'opera, i librettisti ampliarono la gamma di argomenti fino a includere leggende di santi. La maggior parte dei compositori romani dell'epoca, come Stefano Landi, Domenico Mazzocchi, Luigi Rossi e Michelangelo Rossi, seguirono la tradizione fiorentina includendo ensemble vocali e finali corali (con ballo) per ogni atto. Si sono discostati dallo stile fiorentino aumentando il contrasto tra le arie e i recitativi, permettendo alle arie di interrompere la drammatica continuità e rendendo i recitativi più vocali e meno interessanti dal punto di vista musicale. Hanno anche usato episodi comici per alleggerire storie prevalentemente tragiche (così come i veneziani) e hanno introdotto aperture strumentali e pezzi simili a overture che precedono atti o sezioni di atti.
Due compositori romani - il fratello di Mazzocchi, Virgilio e Marco Marazzoli - sono spesso citati per aver creato la prima opera completamente comica, Chi soffre speri (1639; "Chi soffre, spera"). Il suo libretto fu scritto dal cardinale Giulio Rospigliosi, che sarebbe stato elevato al papato nel 1667 come Clemente IX. Il libretto più famoso di Rospigliosi, Sant 'Alessio (1632; "Saint Alexis"), ricevette un'ambientazione da Landi, che richiedeva un cast tutto maschile, compresi i castrati in ruoli femminili, un'altra caratteristica dell'opera a Roma, dove alle donne non era permesso cantare sul palco. L'opera è stata rianimata con successo alla fine del XX secolo, con una nuova generazione di controtenuti virtuosisti altamente qualificati che assumono i ruoli originariamente destinati ai castrati.
L'opera è stata anche una parte importante della vita musicale a Napoli, dove il primo teatro d'opera permanente della città, il Teatro San Bartolomeo, è stato istituito a metà del XVII secolo. Nel 1700 Napoli rivaleggiava con Venezia come centro dell'opera italiana, in gran parte a causa delle opere e dell'influenza di Alessandro Scarlatti, che aveva fatto la sua reputazione a Roma. Scarlatti scrisse almeno 32 delle sue 66 opere per San Bartolomeo tra il 1684 e il 1702, prima che la guerra di successione spagnola (1701-1714) lo costringesse a tornare a Roma. Delle sue opere, La caduta de 'Decemviri (1697; "La caduta dei Decemviri") - su un libretto di Silvio Stampiglia che contiene non meno di 62 arie - rappresenta Scarlatti al culmine della sua carriera teatrale. Continuò a scrivere opere per Roma, Firenze e Venezia, prima di tornare a Napoli nel 1709. Lì, tuttavia, lo stile delle sue opere stava ormai iniziando a essere superato.
Un movimento neoclassico nell'opera, originario di Venezia alla fine del XVII secolo, aveva iniziato a eliminare libretti di scene e personaggi comici e a richiedere trame più semplici, basate sulle tragedie dei drammaturghi francesi Pierre Corneille e Jean Racine, che utilizzavano un linguaggio elevato e ha sostenuto l'ideale classico di unità di tempo, luogo e azione, che richiedeva che il libretto avesse un'unica trama che si svolgesse in un giorno e all'interno di un singolo luogo o ambientazione. Questi valori si riflettevano in un tipo di opera nota come opera seria (plurale: opere serie), o "opera seria", distinta da un'opera buffa (plurale: opere buffe), o "opera comica". Le serie di opere di Scarlatti sono esemplari nel loro uso di trame unificate con meno di 10 personaggi, i cui sentimenti e personalità sono espressi in una serie di arie da capo, un tipo di aria particolarmente associata alla serie di opere napoletane. L'aria da capo era una forma su larga scala in tre sezioni (ABA), con la terza che ripeteva la prima "dal capo, o testa", cioè dall'inizio. La forma consisteva in un poema conciso, in rima, la cui idea principale è stata catturata da uno o due motivi musicali caratteristici che sono stati espansi in un elaborato assolo pieno di musica e ripetizioni di testi incorniciati da ritornelli strumentali. Lo scopo del compositore in ogni aria era quello di rappresentare una o due emozioni tra una vasta gamma di passioni al fine di modellare un ritratto musicale dello stato mentale di un determinato personaggio a quel punto dell'azione - una funzione simile a quella dell'azione- fermare il primo piano cinematografico oggi. Scarlatti ha impregnato le sue arie di qualità e profondità insolite e ha fornito loro una strumentazione ricca e varia.
Notevoli tra i successori immediati di Scarlatti furono compositori come Nicola Porpora, Leonardo Vinci e Leonardo Leo. Questa generazione ha spesso collaborato con il drammatico poeta Pietro Trapassi, noto come Metastasio, forse il più grande dei librettisti del 18 ° secolo, le cui opere furono impostate da circa 400 compositori fino al XIX secolo. Continuando l'usanza di basare i libretti sulla leggenda e sulla pseudoistoria greco-romana, con trame che ruotavano attorno a personaggi come Dido, Alessandro Magno e Tito piuttosto che eroi mitologici, Metastasio e il suo predecessore veneziano Apostolo Zeno scrissero testi di bellezza formale e chiarezza linguistica, preferendo soggetti solenni, di solito tragici (opera seria) in tre atti a episodi e personaggi comici.
Il termine opera napoletana, oltre alla sua associazione con l'opera seria, indicava anche uno stile ingraziante leggero, a volte chiamato galante, che si basava sul primo piano di graziose melodie vocali, presentate in frasi simmetriche ed equilibrate. Queste melodie si contrapponevano a un accompagnamento più semplice che era libero dai ritmi guida delle arie precedenti (del periodo barocco, corrispondenti approssimativamente al 17 ° e all'inizio del 18 ° secolo) e che sostenevano piuttosto che competere con la voce. Molte delle qualità che sono state associate al cosiddetto stile classico viennese del 18 ° secolo - in particolare la musica strumentale di Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart e Ludwig van Beethoven - hanno avuto le loro origini nello stile vocale melodioso dell'opera napoletana.
Nel 1730 l'opera italiana, talvolta in traduzione, era arrivata in circa 130 città europee, da Copenaghen a Madrid e da Londra a Mosca. Le convenzioni sempre più rigide e non drammatiche dell'opera seria hanno suscitato critiche, come la satira magistrale Il teatro alla moda, pubblicata nel 1720 dal compositore-poeta-statista veneziano Benedetto Marcello. Gli elementi di base di recitativo e aria, gruppi occasionali e cori sono stati mantenuti fino ai giorni nostri, sebbene le loro proporzioni tra loro variavano. Nel 18 ° secolo, l'opera italiana era veramente un mezzo internazionale e l'unico veicolo attraverso il quale un compositore di successo poteva raggiungere fama e fortuna.
