Il pittorismo, un approccio alla fotografia che enfatizza la bellezza di soggetto, tonalità e composizione piuttosto che la documentazione della realtà.
storia della fotografia: il pittorismo e l'anello collegato
Le idee di Newton, Rejlander, Robinson ed Emerson - sebbene apparentemente varie - perseguivano tutte lo stesso obiettivo: ottenere l'accettazione per la fotografia
La prospettiva pittorica nacque alla fine del 1860 e dominò il primo decennio del XX secolo. Si è avvicinato alla fotocamera come uno strumento che, come il pennello e lo scalpello, poteva essere usato per fare una dichiarazione artistica. Pertanto le fotografie potrebbero avere un valore estetico ed essere legate al mondo dell'espressione artistica.
Il nome stesso deriva dal pensiero di Henry Peach Robinson, autore britannico di Pictorial Effect in Photography (1869). Nel suo desiderio di separare la fotografia come arte dai fini scientifici a cui era stata applicata, Robinson suggerì argomenti e dispositivi compositivi appropriati, incluso l'unione di sezioni di fotografie diverse per formare un'immagine "composita". Nel 1880 il fotografo britannico Peter Henry Emerson cercò anche modi per promuovere l'espressione personale nelle immagini della telecamera. Mentre criticano le fotografie composite, Emerson e i suoi seguaci, guardando a modelli forniti da artisti come JMW Turner, i pittori della scuola Barbizon e i pittori impressionisti, hanno cercato di ricreare gli effetti dell'atmosfera in natura attraverso l'attenzione alla messa a fuoco e alla tonalità.
Il libro di Emerson Naturalistic Photography (1889) ebbe un'enorme influenza negli ultimi anni del XIX secolo. I fotografi americani ed europei che seguivano i suoi precetti organizzavano associazioni e allestivano mostre progettate per dimostrare che il mezzo era in grado di produrre opere di grande bellezza ed espressività. Prima del 1900 il Linked Ring in Gran Bretagna, il Photo Club di Parigi, il Kleeblatt in Germania e in Austria e, dopo la fine del secolo, la Photo-Secession negli Stati Uniti promuovevano la fotografia come arte. A tal fine, alcuni fotografi hanno condannato il lavoro manuale sui negativi e hanno utilizzato metodi di stampa speciali, usando, tra le altre sostanze chimiche, gomma bicromato e gomma bromoil. Oltre a queste procedure, che assicuravano che ogni stampa fosse differenziata dalle altre dallo stesso aspetto negativo, i fotografi pittorici favorivano anche l'inclusione di monogrammi e la presentazione del lavoro in cornici e tappeti di buon gusto. Frederick H. Evans, Robert Demachy e Heinrich Kühn furono tra i notevoli europei che parteciparono al movimento.
I pittori negli Stati Uniti includevano Alvin Langdon Coburn, F. Holland Day, Gertrude Käsebier, Edward Steichen, Alfred Stieglitz e Clarence H. White. Nel lavoro tardivo di Stieglitz, e in quello di Paul Strand e Edward Weston, il pittorialismo americano divenne meno coinvolto in effetti atmosferici e bellissimi argomenti, ma per alcuni anni dopo la prima guerra mondiale, gli ideali più antichi di bellezza pittorica furono mantenuti dal gruppo chiamato Pittori pittorici d'America. Verso la fine degli anni 1920, quando l'estetica del Modernismo prese piede, il termine Pittorismo arrivò a descrivere una convenzione stanca.
