Coreografia, l'arte di creare e organizzare danze. La parola deriva dal greco per "danza" e per "scrivere". Nel diciassettesimo e diciottesimo secolo, significava davvero la traccia scritta delle danze. Nel diciannovesimo e ventesimo secolo, tuttavia, il significato cambiò, in modo impreciso ma universale, mentre il disco scritto divenne noto come notazione di danza.
danza: coreografia
La coreografia è l'arte di trasformare le danze, la raccolta e l'organizzazione del movimento in ordine e modello. Piu recente
Segue un breve trattamento della coreografia. Per un trattamento completo, vedi danza: Coreografia; danza, occidentale.
La composizione della danza è creativa allo stesso modo in cui è la composizione della musica. La notazione della danza, tuttavia, è un'opera di analisi e reportistica, eseguita generalmente da persone diverse dal coreografo, in un linguaggio o in segni che potrebbero non essere compresi dal creatore.
Durante il Rinascimento, maestri di danza in Italia, come Domenico da Piacenza, insegnarono danze sociali a corte e probabilmente iniziarono a inventarne di nuove o organizzare varianti di danze conosciute, combinando così una funzione creativa con quelle educative. Il balletto messo in scena impiegava gli stessi passi e movimenti della danza sociale e differiva da esso principalmente nella disposizione del pavimento e nella proiezione visiva.
Nel XVI secolo, i maestri di danza della corte francese organizzarono così i modelli di pavimento e i contesti teatrali e artistici delle loro danze sociali in modo da avviare una forma coreografica, il balletto di corte. Nei due secoli seguenti, il divario tra la danza sociale e la danza teatrale si è ampliato fino a quando il balletto nel 19 ° secolo ha raggiunto un vocabolario sostanzialmente indipendente.
Il maestro di balletto di questa epoca, il coreografo, era un arrangiatore di danza come arte teatrale. Il gigante dell'arte coreografica della fine del XVIII secolo fu Jean-Georges Noverre, i cui lavori e scritti fecero celebrare il drammatico balletto, o balletto d'azione. In questo, il balletto incorporava mimo e danze accademiche, dando espressione alla danza attraverso il contesto narrativo e istrionico. Dopo Noverre e il suo contemporaneo Gasparo Angiolini, altri hanno sviluppato questa tendenza in vari modi, in particolare Jean Dauberval nella rappresentazione realistica della gente di campagna contemporanea, Charles Didelot nel muoversi verso l'illusione e la fantasia del palcoscenico romantico, e Salvatore Viganò nell'uso drammatico dell'ensemble (coreodramma) e naturalezza del gesto tragico.
I coreografi del movimento romantico impiegarono il balletto, come codificato da maestri come Carlo Blasis, principalmente nelle forme teatrali di balletto d'azione dei giorni di Noverre o nei divertissement dell'opera (interludi balistici). La ballerina, il suo ruolo accresciuto dalla punta di spillo recentemente inventata (posizione di equilibrio sulla punta estrema del dito del piede), e il corpo femminile di balletto acquisirono entrambi un nuovo rilievo. I coreografi che hanno sviluppato al meglio l'arte della narrazione della danza teatrale sono stati August Bournonville a Copenaghen; Jules Perrot, in particolare a Londra e San Pietroburgo; e Marius Petipa, che a San Pietroburgo portò l'apice dello spettacolare balletto classico all'apice in opere come La bella addormentata, in cui suite estese e complesse di danza classica portarono espressione poetica e metaforica alla trama.
La prima danza moderna negli Stati Uniti ha introdotto nuovi elementi di movimento ed espressione; e nel balletto il lavoro di Michel Fokine ha enfatizzato stili più naturalistici e un'immagine teatrale più potente di quella del classico classicismo di Petipa. Da allora, le forme coreografiche sono variate tra i poli della rappresentazione e dell'astrazione.
La notazione della danza nel 20 ° secolo si occupò del movimento di base e della danza formale e fu aiutata dall'invenzione di nuovi sistemi di simboli astratti: quelli di Rudolf von Laban e Rudolf Benesh sono i più influenti. Labanotation è stato il primo a indicare la durata, la fluidità o l'intensità del movimento. Oggi, questi sistemi e altri continuano ad evolversi rapidamente, amplificati da film e videocassette.
La coreografia si è evoluta non meno rapidamente. I metodi di composizione variano radicalmente: alcuni coreografi usano l'improvvisazione dei loro ballerini come materia prima, altri escogitano ogni movimento prima delle prove. Merce Cunningham ha radicalmente cambiato il contesto della coreografia nel suo atteggiamento nei confronti della musica e dell'arredamento in quanto coincidente (piuttosto che collaborativo o di supporto) alla danza, nel suo impiego di metodi casuali nella composizione e nell'organizzazione della danza, e nel suo uso dello spazio non teatrale. Lui, George Balanchine e Sir Frederick Ashton divennero i principali esponenti della danza classica o astratta; ma gli ultimi due - come Martha Graham, Leonide Massine, Jerome Robbins e altri - hanno anche prodotto importanti opere rappresentative di coreografia. Le uniche regole assolute nella coreografia di oggi sono che dovrebbe imporre un ordine alla danza oltre il livello di pura improvvisazione e che dovrebbe modellare la danza nelle tre dimensioni dello spazio e nella quarta dimensione del tempo, nonché in base al potenziale umano corpo.
