ritratti
Ritratti del XV secolo disegnati, ad esempio da Pisanello o Jan van Eyck, possono essere considerati opere pittoriche completate nella loro concentrazione, esecuzione e distribuzione dello spazio. La rappresentazione chiara e delicatamente delineata segue ogni dettaglio della superficie, cercando il realismo. Il profilo, ricco di dettagli, è preferito; simile al sollievo, è simile al medaglione. Successivamente in risalto al profilo puro, il profilo a tre quarti, con il suo effetto più spaziale, venne alla ribalta, per rimanere per secoli la classica posizione del ritratto.
Lo stretto rapporto con la pittura si applica praticamente a tutti i disegni del XV secolo. Anche un'opera così forte come il disegno dell'imperatore Massimiliano di Dürer nacque come studio di ritratto per un dipinto. Allo stesso tempo, tuttavia, alcuni dei ritratti di Dürer incarnano chiaramente la fase finale di un'impresa artistica, un'ambivalenza che può essere osservata anche in altri ritrattisti del XVI secolo. Le opere di Jean e François Clouet in Francia e del giovane Hans Holbein in Svizzera e ancora più marcatamente in Inghilterra nello stesso secolo conferirono un'autonomia al disegno del ritratto, specialmente quando un disegno fu completato in gesso di vari colori. La scelta del mezzo più morbido, il contorno, che per la sua precisione è meno severamente autonomo, e il disegno interno più delicato con elementi piani conferisce a questi disegni un carattere più vivace, più personale e accentua ancora una volta la loro vicinanza alla pittura.
Nella tecnica del gesso policromatico e pastello, il disegno del ritratto ha mantenuto la sua indipendenza nel XIX secolo. Nel 18 ° secolo, Quentin de La Tour, François Boucher e Jean-Baptiste Chardin - tutti questi artisti francesi - erano tra i suoi principali praticanti, e anche Ingres, che viveva nel 19 ° secolo, usava ancora la sua tecnica. Nella pittura pastello, il ritratto ha superato tutti gli altri soggetti.
Nella scelta della posa, del tipo e dell'esecuzione, la pittura di ritratti, come altre forme d'arte, è influenzata dalle caratteristiche stilistiche generali di un'epoca. Quindi, l'estrema attitudine pittorica del tardo barocco e del rococò è stata seguita da una concezione più severa durante il neoclassicismo, che preferiva le tecniche monocromatiche e coltivava anche la forma speciale della silhouette, un profilo che disegnava il profilo con l'area riempita di nero. Inconfondibilmente in debito con i loro predecessori del 15 ° secolo, i creatori di ritratti dei primi del 19 ° secolo miravano ancora una volta all'esatta interpretazione dei dettagli e degli effetti plastici ottenuti attraverso i mezzi grafici scelti più accuratamente: la matita sottile e dura era il loro strumento preferito, e anche il silverpoint fu riscoperto dai romantici.
Più interessati agli aspetti psicologici della ritrattistica, i disegnatori della fine del XIX e XX secolo preferivano i pastelli più morbidi che seguono prontamente ogni impulso artistico. Il sequestro di elementi caratteristici e un'adeguata resa del piano hanno pesato più pesantemente su di essi rispetto ai dettagli realistici. Gli elementi dell'umore, la tensione intellettuale e l'impegno personale sono caratteristiche tipiche del ritratto moderno e quindi anche del disegno del ritratto moderno, un'arte che continua a documentare l'artigianato personale dell'artista al di là delle caratteristiche di varie tecniche.
paesaggi
Già nel XV secolo, anche i disegni di paesaggio raggiunsero un'autonomia sufficiente da rendere difficile distinguere tra lo studio finito per lo sfondo di un particolare dipinto e un paesaggio autonomo e abbozzato autonomo. Già nei quaderni di schizzi del XV secolo di Jacopo Bellini (conservati negli album del British Museum e del Louvre), esiste un legame intimo tra studio della natura e struttura pittorica; nello studio di Tiziano nel 16 ° secolo, gli schizzi di paesaggio devono essere stati visualizzati come suggerimenti per sfondi pittorici.
Ma fu Dürer a sviluppare il paesaggio come immagine raccolta e opera d'arte autonoma, in breve, come tema a sé stante senza riferimento ad altre opere. I suoi acquerelli soprattutto, ma anche i disegni dei suoi due viaggi italiani, dei dintorni di Norimberga e del viaggio nei Paesi Bassi, rappresentano i primi disegni di paesaggi puri. I secoli dovevano passare prima che tali disegni si ripresentassero in questa formulazione assoluta.
Gli elementi del paesaggio erano anche molto significativi nei disegni e nelle illustrazioni tedeschi e olandesi del XVI secolo. La rappresentazione figurativa, ancora esistente nella maggior parte dei casi, è formalmente del tutto integrata nel romantico paesaggio di boschi e prati, in particolare nelle opere della Scuola del Danubio - Albrecht Altdorfer e Wolf Huber, per esempio. Più frequentemente che in altre scuole, si trovano qui viste della natura eseguite con cura. Nei Paesi Bassi, Pieter Bruegel ha disegnato viste topografiche e composizioni di paesaggi gratuiti, in entrambi i casi come opere autonome.
Nel 17 ° secolo, lo studio della natura e il disegno del paesaggio che ne derivò raggiunsero un nuovo massimo. I disegni paesaggistici dell'Accademia degli Incamminati (quelli del Domenichino, ad esempio) combinano temi classici e mitologici con paesaggi eroici. Il francese Claude Lorrain, che viveva a Roma, lavorava spesso a cielo aperto, creando disegni di paesaggi con una qualità atmosferica finora non raggiunta. Questo tipo di paesaggio coltivato e idealizzato, raffigurato anche da Poussin e altri settentrionali residenti a Roma (erano chiamati romanisti olandesi in considerazione del fatto che così tanti artisti olandesi vivevano a Roma, i loro disegni dell'Italia raggiungevano una qualità quasi eterea), è in contrasto con il concetto di paesaggio non eroico e vicino alla natura tenuto principalmente dai Paesi Bassi quando raffigurano il paesaggio del loro paese natale. Tutti i pittori di paesaggi - i loro dipinti di paesaggi, una specialità che era fortemente rappresentata nei Paesi Bassi artisticamente specializzati - hanno anche creato disegni di paesaggi indipendenti (Jan van Goyen e Jacob van Ruisdael e suo zio e cugino, per esempio), con Rembrandt che occupa ancora una posizione speciale: catturando le caratteristiche di una regione spesso con solo pochi tratti, le ha migliorate in modo tale da acquisire un potere espressivo monumentale anche nel formato più piccolo. Nell'Italia del 18 ° secolo, il disegno del paesaggio topograficamente fedele acquisì importanza con l'avvento dei Vedutisti, i fornitori di "vedute", formando un gruppo da soli (tra questi, Giambattista Piranesi e Canaletto [Giovanni Antonio Canal]) e spesso lavorando con tali ausili ottici come la cornice reticolare e la camera oscura. Disegni paesaggistici di maggiore libertà artistica, nonché paesaggi immaginari, sono stati realizzati con maggior successo da alcuni artisti francesi, tra cui Hubert Robert; dal punto di vista pittorico e atmosferico, questi temi hanno raggiunto una seconda fioritura nei paesaggi disegnati a pennello di artisti inglesi come Turner e Alexander Cozens, la cui influenza si estende fino al 20 ° secolo.
Dato il loro forte interesse per la delineazione, i disegnatori del Neoclassicismo del XVIII secolo e, ancor più, del Romanticismo osservarono la natura con precisione topografica. Come nuova "scoperta", il mondo alpino romanticamente ed eroicamente esagerato ora ha preso posto nella mente dell'artista accanto alla visione arcadica del paesaggio italiano.
Disegni paesaggistici e ancora di più, acquerelli, formarono un tema inesauribile nel XIX secolo. L'artista francese Jean-Baptiste-Camille Corot e, verso la fine del secolo, Cézanne e van Gogh, furono tra i principali creatori di disegni di paesaggi. I paesaggi facevano parte del lavoro di molti disegnatori del XX secolo, ma, per gran parte del secolo, il genere in quanto tale occupava il secondo posto ai problemi generali della forma, in cui il soggetto veniva trattato semplicemente come un punto di partenza. Tuttavia, negli ultimi 30 anni del 20 ° secolo, un gran numero di artisti americani sono tornati alla rappresentazione, reinvestendo così nel paesaggio come soggetto.
Composizioni di figure e nature morte
Rispetto ai temi principali del disegno autonomo - ritrattistica e paesaggio - tutti gli altri sono di minore importanza. Le composizioni di figure dipendono fortemente dalla pittura del loro tempo e sono spesso direttamente collegate ad esso. Certamente c'erano artisti che si occupavano nei loro disegni dei temi della pittura monumentale, come l'incisore e incisore del XVII secolo Raymond de La Fage; in generale, tuttavia, l'obiettivo artistico della composizione delle figure è l'immagine, con il disegno che rappresenta solo un utile aiuto e una stazione di passaggio. Le scene di genere, particolarmente popolari nei Paesi Bassi del XVII secolo (come fatto da Adriaen Brouwer, Adriaen van Ostade e Jan Steen, per esempio) e nella Francia e in Inghilterra del XVIII secolo, raggiunsero una posizione indipendente. Anche nel diciannovesimo secolo c'erano disegni che raccontavano storie della vita quotidiana; spesso di carattere illustrativo, possono essere chiamati "piccoli quadri", non solo per via del formato spesso multicolore ma anche per la loro esecuzione artistica.
Le nature morte possono anche rivendicare di essere disegni autonomi, in particolare le rappresentazioni di fiori, come quelle dell'artista olandese Jan van Huysum, che sono state popolari fin dal 17 ° secolo. Anche in questo caso è vero che una disposizione ben progettata trasforma uno studio naturalistico immediato in una composizione pittorica. In alcune di queste composizioni la somiglianza con la pittura è molto forte; i pastelli dell'artista Odilon Redon del XIX e XX secolo, per esempio, o il lavoro dell'espressionista tedesco del XX secolo Emil Nolde, con la sua intensità cromatica, trascendono del tutto la linea di demarcazione tra disegno e pittura. Nelle nature morte, come nei paesaggi, i principi autonomi della forma sono più importanti per gli artisti moderni della dichiarazione di fatto.
Disegni fantasiosi e non rappresentativi
Disegni con temi immaginari e fantasiosi sono più indipendenti dalla realtà esterna. Le apparizioni dei sogni, le metamorfosi e l'intreccio di livelli e regioni della realtà separati sono stati temi tradizionali. Le opere fantasmagoriche della fine del XV secolo di Hieronymus Bosch ne sono un esempio. Ci sono scene contadine allegoriche dell'artista fiammingo del XVI secolo Pieter Bruegel e le incisioni di carnevale dell'artista francese del XVII secolo Jacques Callot. Altri i cui lavori illustrano cosa si può fare con il disegno al di fuori del paesaggio e della ritrattistica sono: l'incisore italiano del XVIII secolo Giambattista Piranesi, l'artista anglo-svizzero del XVIII secolo Henry Fuseli, l'illustratore inglese del XIX secolo Walter Crane, il francese del XIX secolo L'artista simbolista Gustave Moreau e i surrealisti del XX secolo.
L'arte non rappresentativa, con la sua riduzione degli elementi base del disegno - punto, linea, piano - alla forma pura, ha offerto nuove sfide. Attraverso la rinuncia alle relazioni corporative e spaziali associative, lo sviluppo delle dimensioni del disegno e la struttura dei vari mezzi acquisiscono un nuovo significato. Le qualità grafiche della linea nell'aereo e l'area non contrassegnata erano già state enfatizzate in epoche precedenti, ad esempio nei grotteschi di Giuseppe Arcimboldo nel XVI secolo (le rappresentazioni fantasiose o fantastiche di forme umane e animali spesso combinate con l'un l'altro e intrecciati con rappresentazioni di foglie, fiori, frutti o simili) e in esercizi calligrafici come i moreschi (ornamento lineare fortemente stilizzato, basato su foglie e fiori), ma principalmente come modelli di stampa o incisione per i più disparati compiti decorativi (decorazione di interni, mobili, utensili, gioielli, armi e simili).
