Il posto del teatro nella vita contemporanea
Lavoro, tempo libero e teatro
In generale, gli esseri umani hanno considerato serie le attività che aiutano a sopravvivere e propagano la specie. A tutti i livelli di sofisticazione, tuttavia, le attività umane serie offrono opportunità di intrattenimento. Forse i membri della specie umana non hanno mai fatto una netta distinzione tra lavoro e gioco. Qualsiasi tipo di lavoro può essere goduto nelle circostanze appropriate, che si tratti di chirurgia, carpenteria, lavori domestici o lavori sul campo. I migliori lavoratori si impegnano in un lavoro che consente, anche pretende, un'espressione della loro invenzione e ingegnosità. In effetti, i lavoratori più preziosi spesso non sono i più faticosi ma piuttosto i più ingegnosi e pieni di risorse e, man mano che i loro compiti aumentano in complessità e responsabilità, aumenta la necessità di intelligenza e immaginazione. Queste qualità si esprimono anche nel gioco di queste persone.
Nei tempi e nei luoghi in cui il teatro è diventato frivolo o volgare o semplicemente noioso, gli spettatori più istruiti hanno teso a starne alla larga. Questo è stato il caso di Londra durante la prima metà del XIX secolo. Un simile movimento di allontanamento dal teatro da parte dell'intellighenzia si verificò a New York City a metà del XX secolo, man mano che venivano prodotte sempre meno produzioni drammatiche. Mentre Broadway si dedicava principalmente a musical o star, l'interesse per il teatro serio si è sviluppato nei teatri Off-Broadway e Off-Off-Broadway più piccoli e specializzati e nei teatri regionali.
Delle molte teorie e filosofie proposte sugli scopi dell'arte teatrale, dalla Poetica di Aristotele in poi, la maggior parte presuppone che il teatro sia diretto verso un'élite composta da membri più ricchi, più liberi e meglio istruiti di una comunità. In queste teorie, si presume che il teatro popolare sia rumorosamente allegro e egregiamente sentimentale, con melodie facili, battute ovvie e un sacco di "affari". Nel 20 ° secolo, tuttavia, le distinzioni tra le classi sociali in Occidente divennero più sfumate. Le maniere egualitarie divennero di moda, anzi obbligatorie, e le teorie che davano all'arte seria un ruolo esclusivo per le classi superiori persero gran parte della loro forza. Allo stesso modo, l'interesse delle élite per le forme "folk" ha generato un nuovo pubblico per tali forme e ha contribuito a salvare tradizioni in tutto il mondo che altrimenti avrebbero ceduto all'industrializzazione e alla globalizzazione culturale.
Paradossalmente, mentre più persone nelle nazioni industrializzate stanno godendo più tempo libero che mai, non c'è stato un aumento proporzionale della frequenza teatrale. Coloro che svolgono professioni impiegatizie o impiegati in veste manageriale, diversamente dagli aristocratici dei tempi precedenti, generalmente si concedono poco tempo libero. Di coloro che sono impegnati nell'industria, il cui tempo libero è aumentato, una parte significativa non sceglie di frequentare il teatro regolarmente. Inoltre, gli sforzi del teatro per fare appello a tutta la comunità sono stati generalmente vani. Esiste un abisso sempre più ampio: da una parte, una piccola, entusiasta e vocale vocazione per gallerie d'arte, concerti sinfonici e teatro; dall'altro lato, la maggioranza è apatica nei confronti di questi passatempi e istituzioni culturali. L'apatia - o persino l'ostilità - avvertita dalla maggioranza era evidente negli anni '80 e '90 nelle controversie sul sostegno statale alle arti, incentrato in particolare sul National Endowment for the Arts negli Stati Uniti e sull'Arts Council of Great Britain.
Il ruolo della sovvenzione
Nella maggior parte dei paesi all'inizio del XXI secolo, un teatro serio, con o senza un'enorme partecipazione pubblica, doveva essere sostenuto da un sostegno finanziario che andava oltre le entrate del botteghino. I fondi pubblici sono stati — e continuano ad essere — utilizzati a tale scopo in Europa e in gran parte dell'Asia e dell'Africa. L'ipotesi alla base di tale sovvenzione è che un teatro serio è semplicemente troppo costoso per farsi strada. Di solito, i teatri nazionali in contesti urbani sono i destinatari del sostegno.
In Gran Bretagna nel 1940, sotto la minaccia dell'imminente invasione nella seconda guerra mondiale, il governo nazionale mosse i primi passi per finanziare il teatro garantendo un tour della compagnia teatrale Old Vic contro la perdita. Successivamente, con l'istituzione dell'Arts Council of Great Britain nel 1946, il suo sostegno al teatro aumentò continuamente. Negli anni '70, milioni di sterline furono impegnate ogni anno per sostenere una rete di teatri regionali, piccoli gruppi itineranti, i cosiddetti teatri marginali e i "centri di eccellenza", ovvero il Royal National Theatre, la Royal Shakespeare Company, l'inglese National Opera e Royal Opera House a Covent Garden. La sovvenzione in Gran Bretagna fu il mezzo con cui l'industria teatrale britannica divenne la più forte del mondo, sia come importante esportazione sia come principale attrazione turistica. Sotto i successivi governi conservatori, tuttavia, tale sussidio fu tagliato e, negli anni '90, i fondi derivati da una lotteria nazionale furono sostituiti al sostegno diretto del governo.
Fino alla metà del 20 ° secolo, il patrocinio privato e le entrate al botteghino erano ancora gli unici sostegni del teatro legittimo negli Stati Uniti, ma alla fine il sostegno caritatevole fu incoraggiato da una struttura di agevolazioni fiscali e da organizzazioni filantropiche come la Ford Foundation. Con poche eccezioni, tuttavia, il teatro professionale negli Stati Uniti è rimasto strettamente un affare commerciale. In Occidente alla fine del XX secolo, solo in Germania esisteva un livello veramente generoso di sostegno federale e civico per le arti.
All'inizio del 21 ° secolo, i soldi privati compensarono la riduzione dei sussidi pubblici sia negli Stati Uniti che in Gran Bretagna. La sponsorizzazione aziendale è diventata sempre più importante nella sottoscrizione di compagnie teatrali e di spettacoli specifici. Un tale mezzo di finanziamento tendeva a favorire maggiormente il teatro di grandi dimensioni e compagnie affermate (in particolare teatri lirici, di balletto e regionali) con forti legami con le comunità filantropiche e corporative locali. Le start-up o le società più piccole avevano meno probabilità di essere sostenute dalla sponsorizzazione aziendale; tale finanziamento è stato spesso considerato un anatema da parte delle aziende impegnate nella critica politica.
